Clases Particulares

TEMARIO:

Primera especie a 2 y 3 voces: Consonancias perfectas e imperfectas. Cuando usar cada una. Cómo lograr líneas independientes. Principio y final. Cadencia contrapuntística 6-8.

Segunda especie a 2 y 3 voces: La nota de paso como disonancia fundamental. Arpegiaciones y saltos consonantes.  Tiempo fuerte y débil: cómo aprovecharlos. Sobre las 5tas y 8vas paralelas.

Tercera especie a 2 y 3 voces: Bordaduras completas e incompletas. Giros idiomáticos para prolongar una nota. Giro de Fux (doble bordadura) y nota cambiata. Tratamiento de las 5tas y 8vas.

Cuarta especie a 2 y 3 voces: Suspensiones 4-3, 7-6 y 9-8. Síncopas. Interrupción de la especie. Resoluciones menos comunes con el Cantus Firmus como voz superior: 4-5 y 7-8.

Quinta especie a 2 y 3 voces (contrapunto florido): Criterios para combinar todas las especies anteriores. Ritmos posibles. Ornamentación de las resoluciones de 4ta especie. Criterios para el uso de corcheas. Relación entre metro, consonancia y disonancia. Entradas de las voces. Ritmos posibles y compensaciones. Cadencias. Armonía implícita. Nuevas posibilidades: Acordes en 6 y suspensiones 4-3.

DURACIÓN: 

9 sesiones de una hora.

OBJETIVOS:

El objetivo principal es que los asistentes al curso aprendan paso a paso cómo componer una fuga cuatro voces. En el camino analizaremos fugas de grandes compositores en busca de comprender sus decisiones. Para lograrlo, clase a clase se encargarán pequeños ejercicios de 4 u 8 compases orientados a solidificar lo abordado hasta el momento.

ACLARACIÓN IMPORTANTE:

Es preciso dominar los contenidos enumerados en los temarios de los Cursos de Armonía y Contrapunto I y II antes de tomar este curso de Fuga.

TEMARIO:

Sesión 1: Qué es una Fuga. Forma vs Procedimiento. La imitación como forma de desarrollo. Sobre el monotematismo. Canon a la 8va, canon infinito y canon cangrejo.

Sesión 2: Sujeto: Qué constituye un buen sujeto y cómo componerlo (aspectos melódicos y rítmicos).

Sesión 3: Respuesta: Qué es una respuesta real y una tonal, y cómo saber cuándo usar cada una.

Sesión 4: Contrasujeto: Cómo componer un contrasujeto invertible a la 8va y a la 5ta. Relación entre sujeto y contrasujeto. Cómo utilizar dos contrasujetos simultáneos.

Sesión 5: Divertimentos (episodios): Estrategias para componer y planear las partes libres

Sesión 6: Exposición: Posibles órdenes de entradas de las voces. Exposiciones abiertas y cerradas. Contraexposición.

Sesión 7: Sector de estrechos (stretti): diferentes posibilidades de entradas incompletas.

Sesión 8: Pedales: Armonías sobre pedales y cadencias plagales.

Sesión 9: Situaciones más complejas e inusuales: Fuga doble, fuga por inversión, fuga plagal.

TEMARIO:

Sesión 1: Corales a cuatro voces: Registros de las voces, disposiciones abiertas y cerradas. Acordes contrapuntísticos: bordadura y paso, y bordadura-paso.

Sesión 2: Acordes en 6/3: prolongación de una armonía, V6 y VII6. 

Sesión 3: Inversiones del V7: V6/5, V4/3 y V4/2.

Sesión 4: Usos del II y II6.

Sesión 5: Usos del IV7 y II7

Sesión 6: Usos del II y VII

Sesión 7: El 6/4 cadencial: Prolongación de una cadencia e intensificación del V. (ver también capítulo 20)

Sesión 8: Cadencias: Cadencias auténticas (perfectas e imperfectas), plagales, suspensivas y desceptivas.

Sesión 9: Ritmo y metro: Organización rítmica y ritmo armónico.

Sesión 10: Secuencias diatónicas (progresiones no modulantes): 5tas ascendentes y descendentes, secuencias 5-6 ascendentes y descendentes.

Sesión 1: Figuración melódica: Arpegios, notas de paso y bordaduras.

Sesión 2: Figuración rítmica: suspensiones, anticipaciones y notas pedal.

Sesión 3: Acordes de 7ma disminuida y semi disminuida.

Sesión 4: Mixtura: intercambio de modos.

Sesión 5: Acordes de 7ma en secuencia: Cadenas de dominantes.

Sesión 6: Modulación diatónica: Prolongación de una disonancia, modulación a través de un acorde común.

Sesión 7: Acordes de 7ma con tensiones agregadas: 9nas, 11nas y 13nas.

Sesión 8: El acorde napolitano (bII6).

Sesión 9: Acordes de 6ª aumentada: italiana, francesa y alemana. La 6ta aumentada para modular. Inversiones de los acordes de 6ta aumentada.

Sesión 10: Otros acordes cromáticos: Acordes aumentados, usos avanzados de la mixtura, dominantes alteradas, acordes disminuidos de tono común. Otros acordes cromáticos de embellecimiento.

Teoría neo-riemanniana

Sesión 1: Conducción parsimoniosa. Operaciones neo-riemannianas LPR. Tríadas en ausencia de funciones armónicas.

Sesión 2: Como surgió Riemman. Vigencia de la teoría neo-riemanniana. Ciclos LP y semigrupos. Ciclo hexatónico y octatónico. Operación SLIDE.

Sesión 3: Aplicación de los conceptos abordados. Análisis de la Consolación IV de F. Lizst.

Sesión 4: Aplicación de los conceptos abordados. Análisis de un pasaje de la Sinfonía II de Brahms.

Teoría postonal (Pitch Class Set):

Sesión 5: Teoría postonal 1: Equivalencia de 8va, pitch class, equivalencia enarmónica, integer notation, intervalo clase, vector intervalico y forma prima.

Sesión 6: Teoría postonal 2conjunto, forma normal, forma prima, MOD12, intervalo dirigido, intervalo clase, vector interválico, tonos comunes bajo Trasposición, simetría transposicional, inversión, índices pares e impares, vector de índices.

Sesión 7: Relación entre el tritono en el vector y la cantidad de notas en común en T6. Forma prima de conjuntos invertidos. Vector de la escala diatónica y la hexatónica.

Sesión 8: Operación Inversión. Índices pares de inversión. Como calcularlos. Cómo nomenclar las operaciones.

Sesión 9: Análisis del 1er movimiento de Música para cuerdas, percusión y celesta de Bartok.

Sesión 1: Índices impares de inversión.

Sesión 2: Repaso de regiones hexatónicas. Región de Weitzmann. Qué espacio ocupan en el tonnetz. Relación con el acorde aumentado.

Sesión 3: Voice leading unit. Operación N y H (polo hexatónico). Relación entre LP y T4 y PL y T8.

Sesión 4: Análisis del Agnus Dei del Requiem de Fauré, utilizando el cube dance.

Sesión 5: Bartok, proporción áurea y serie de Fibonacci.

Sesión 6: Debussy y Stravinsky: Escalas pentatónicas y modos antiguos.

Sesión 7: Debussy y Stravinsky: Poliacordes, hexatónicas, y octatónicas. Su relación con acordes aumentados y disminuidos.

Sesión 8: Segunda escuela de Viena: Dodecafonismo. Par combinatorio. Series por derivación y por saturación. Relación entre serie y armonía.

Sesión 9: Espectralismo: El timbre como generador del discurso. Técnicas compositivas.

Bibliografía recomendada:

Audacious Euphony, Richard Cohn.

Introduction to postonal music, Joseph Straus.

The Structure of atonal music, Allen Forte.

A Geometry of Music, Dmitri Tymoczko.

A Guide to Musical Analysis, Nicholas Cook.

Aclaracion importante: Es preciso dominar los contenidos enumerados en los temarios de los Cursos de Armonía y Contrapunto I y II antes de tomar este curso de Composición.

TEMARIO:

Sesión 1: Bajo cifrado I: cómo resolver ejercicios.

Sesión 2: Cómo prolongar un acorde, jerarquías, elaboraciones y acordes contrapuntísticos.

Sesión 3: Una frase de Bach: análisis del comienzo del Preludio I en Do Mayor del Libro I del Clave bien Temperado.

Sesión 4: Cómo componer una forma binaria abierta I: Frase abierta y descenso a la voz interna (modulación).

Sesión 5: Cómo componer una forma binaria abierta II: Frase contrastante y elisión.

Sesión 6: Cómo componer una forma binaria abierta III: Cómo cerrar la forma. Frase final.

Sesión 7: Una frase de Beethoven: Análisis del principio del 2do movimiento de la Sonata Op. 8 en Do menor (Patética).

Sesión 8: Bajo cifrado II: Ejercicios cromáticos.

Sesión 9:  Texturas I: Melodía con acompañamiento para piano

Sesión 10: Comentarios y corrección de ejercicios.

Sesión 1: Bajo cifrado III: Ejercicios más complejos.

Sesión 2: Pasajes de transición y patrones contrapuntísticos. Secuencias diatónicas y cromáticas.

Sesión 3: Análisis completo del Preludio I en Do Mayor del Libro I del Clave bien Temperado.

Sesión 4: Análisis completo del Preludio II en Do menor del Libro I del Clave bien Temperado.

Sesión 5: Forma sonata I: Esquema general de la forma. Porqué es binaria y no ternaria.

Sesión 6: Forma sonata II: Relación entre primer y segundo grupo temático. Pasajes de transición

Sesión 7: Texturas II: Forma, similitud y contraste.

Sesión 8: Forma Sonata III: Análisis del 1er movimiento de la Sonata Nº5 en Do menor de Beethoven.

Sesiones 9 y 10: Comentarios y corrección de trabajos.

1- Claridad y diferenciación de planos

• Texturas: Maderas: diferentes familias, combinaciones. Ventajas y desventajas de duplicar.

• Metales: Cómo combinarlos y disponerlos

• Distribución de las alturas: cómo interactúan los diferentes registros. Cuál es la función de cada uno. Como combinarlos. Relación con la dinámica.

• Control de las dinámicas: Consideraciones dinámicas e interacción de las diferentes familias

• Limitaciones de la armonía y los planos

• La percusión como background.

• Las cuerdas como background.

2- Color

• Ritmo armónico en la orquesta

• Doblando para obtener potencia

• Características tonales y mixturas. Mezclando para obtener sutileza. Ingredientes tonales básicos. Envolventes contrastadas y envolventes similares

• Duplicaciones y mixturas: sutileza vs potencia.

• Colores puros vs mezclas. Ventajas y desventajas de cada uno.

• Transiciones tímbricas. Superposición y elisiones tímbricas.

3- Interacciones entre las diferentes familias

• Texturas: Maderas: diferentes familias, combinaciones. Ventajas y desventajas de duplicar.

• Metales: Cómo combinarlos y disponerlos

• Cuerdas con maderas

• Metales con maderas

• Distintas funciones del corno francés

• Las tres familias juntas, como interactúan con ellas el arpa y la percusión.

1- Resonancia

• El problema de la resonancia en la orquesta.

• Cómo orquestar la resonancia.

• El movimiento como factor de soporte.

• Uso de la percusión (placas) como resonancia.

2- Del piano a la orquesta: 

• Cómo orquestar obras para piano:

• La orquestación como refuerzo de la forma.

  Cómo orquestar un bajo Alberti

  Cómo orquestar un arpegio.

  Análisis de la conducción de voces y diferentes planos.

  Cómo orquestar el pedal del piano.

  Cuándo variar la orquestación. Posibles maneras de hacerlo.

• Obras que se van a orquestar:

• Beethoven, Sonatas para Piano N°15 y N°27 (fragmentos).

  Schumann, Escenas Infantiles Op. 15, N°1 y N°3.

  Debussy, Preludio N° 10 del Libro II (Canope).

3- Consejos sobre como editar la partitura y las partes:

• Cómo elegir el tamaño del papel.

• Qué información poner en la primera página.

• Cómo hacer las particellas cuando hay divisi.

• Cuando poner cues, y cómo hacerlo.

• Cómo hacer más legible la partitura (fuentes de la música y el texto, grosor de las lineas, etc).

• Tamaño del escore y de las partes.

• Cómo indicar letras de ensayo.

Se analizarán fragmentos de las siguientes obras:

• Mendelssohn, Die Hebriden Op. 26

• Holst, The Planets Suite (Venus)

• Holst, The Planets Suite (Saturno)

• Sibelius, Sinfonía N°5

• Stravinsky, Consagración de la Primavera

• Bartok, Concierto para Orquesta

• Schoenberg, Farben Op. 16 N°3